Hotline
Freeshipping
Khi hóa đơn từ 650.000 VNĐ
Trường phái nghệ thuật Trường Màu - Color Field Painting

Trường phái nghệ thuật Trường Màu - Color Field Painting

Ngày đăng: 19/02/2023

Color Field Painting là gì?

Color Field Painting là một trào lưu hội họa trừu tượng trong thế kỷ 20, xuất hiện ở Mỹ vào những năm 1940 và 1950. Trào lưu này tập trung vào sự sử dụng màu sắc trên không gian rộng lớn của bức tranh, thường bao gồm các mảng màu đơn sắc hoặc màu sắc tương phản nhằm tạo ra tác phẩm có tính chất trừu tượng và cảm xúc mạnh mẽ. Các họa sĩ Color Field Painting thường sử dụng cách thức tô màu một cách tối giản, tập trung vào hiệu ứng màu sắc và cảm giác không gian.

Color Field Painting là thuật ngữ ban đầu được nhà phê bình nghệ thuật Clement Greenberg đặt ra, và được sử dụng để miêu tả các tác phẩm của những họa sĩ trừu tượng biểu cảm như Mark Rothko và Barnett Newman. Những nghệ sĩ này sáng tác các bức tranh của mình với những khối màu đậm. Trong bài luận của mình về Color Field Painting, Greenberg viết:

"Hiệu ứng cuối cùng được tìm kiếm là một sự mở rộng gần như chữ nghĩa vô hạn, ôm trọn và hấp thụ màu sắc trong quá trình được tạo ra bởi nó. [Lĩnh vực màu sắc] phải đồng nhất về sắc thái, chỉ có sự biến đổi tinh tế về giá trị nếu có, và phủ trên một khu vực cực kỳ lớn, không chỉ đơn giản là tương đối. Kích thước đảm bảo tính tinh khiết cũng như độ mạnh cần thiết để gợi ra không gian không xác định: màu xanh nhiều hơn chỉ đơn giản là màu xanh hơn mà thôi".

Thời kỳ quan trọng: những năm 1950 - 1960

Khu vực quan trọng: Hoa Kỳ, Vương quốc Anh

Từ khóa quan trọng: màu sắc đậm, màu sắc trầm lắng, trừu tượng hóa, không gian phẳng, bức tranh lớn

Các họa sĩ quan trọng: Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Kenneth Noland, Alma Thomas, Sam Gilliam, Robyn Denny, John Hoyland, Richard Smith.

Kenneth Noland, Winter Sun, 1962. Courtesy Phaidon

Kenneth Noland, Winter Sun, 1962. Courtesy Phaidon

Các Ý Tưởng Chính

Color Field Painting thường được xem là một phân nhánh của Trừu tượng biểu cảm. Các họa sĩ Color Field cũng quan tâm đến việc sử dụng trừu tượng thuần túy, không gian phẳng và bức tranh lớn. Những gì làm nên sự khác biệt của Color Field Painting là những họa sĩ này đã từ chối những động tác tích cực thường xuyên xuất hiện trong Trừu tượng biểu cảm, và thay vào đó ưa thích những khối màu sắc trầm lắng và sâu sắc.

Ban đầu, thuật ngữ này được sử dụng trong những năm 1950 để mô tả tác phẩm của ba họa sĩ trừu tượng Mỹ: Mark Rothko, Barnett Newman và Clyfford Still. Khoảng năm 1960, một hình thức của Color Field Painting xuất hiện với tính trừu tượng tinh khiết hơn, với các họa sĩ như Helen Frankenthaler, Morris Louis, Kenneth Noland, Alma Thomas và Sam Gilliam đi đầu. Những họa sĩ này dần rời xa nội dung cảm xúc, thần thoại hoặc tôn giáo và ứng dụng cá nhân và độc đáo của phong cách hội họa trước đó. Họ tập trung vào những bố cục mở, động tác vẽ tối giản và thu hút sự chú ý đến mối quan hệ giữa bề mặt bức tranh và những hình dạng được vẽ trên đó. Clement Greenberg đã tổ chức một triển lãm với 31 họa sĩ liên quan đến sự phát triển mới này năm 1964 tại Bảo tàng Nghệ thuật Quận Los Angeles, và đặt tên nó là Trừu tượng Hậu Họa sĩ. Thuật ngữ này cũng thường được sử dụng để mô tả các tác phẩm của thế hệ họa sĩ Color Field của thập niên 1960 và những người theo sau họ.

Color Field - Trường Màu

Tại Vương quốc Anh, Color Field Painting phát triển trong những năm 1960 với sự tham gia của các họa sĩ như Robyn Denny, John Hoyland và Richard Smith.

Robyn Denny, Windward, Steam & Angel Dust, 1984-1987. Courtesy Laurent Delaye Gallery

Robyn Denny, Windward, Steam & Angel Dust, 1984-1987. Courtesy Laurent Delaye Gallery

“Chúng tôi đang tạo ra những hình ảnh có tính thực tế rõ ràng và không có các đạo cụ và chân đỡ nào gợi nhớ đến các hình ảnh cũ, cao cả và đẹp đẽ... Hình ảnh mà chúng tôi tạo ra là một hình ảnh rõ ràng, thể hiện sự khai sáng, đích thực và cụ thể, có thể được hiểu bởi bất kỳ ai nhìn vào nó mà không mang theo những kính lão hoá của lịch sử.” - Barnett Newman

Clyfford Still, PH-950, 1950. Courtesy the Clyfford Still Museum

Clyfford Still, PH-950, 1950. Courtesy the Clyfford Still Museum

Các nhân vật chính của phong trào Color Field Painting

Mark Rothko, Barnett Newman và Clyfford Still đã bắt đầu cuộc hành trình tìm kiếm phong cách hội họa tinh tế hơn, có khả năng thể hiện điều tuyệt vời và siêu hình vào thời điểm đó. Với Rothko, hành trình này dẫn đến các tác phẩm được phối hợp từ những bề mặt màu sắc cảm xúc sâu sắc trên những bức tranh hình chữ nhật lớn. Newman khám phá điều này trong những tác phẩm được tô màu hoàn toàn với các vạch ngang hoặc dọc, và đối với Still, nó dẫn đến những tác phẩm không đều và có kết cấu, xen kẽ màu sắc và bề mặt. Mỗi người trong số họ nghiêng về hình ảnh đồ sộ hơn, các trường màu phẳng và bề mặt không bị phá vỡ.

Alma Thomas, Splash Down Apollo 13, 1970. Courtesy Michael Rosenfeld Gallery

Alma Thomas, Splash Down Apollo 13, 1970. Courtesy Michael Rosenfeld Gallery

Trong làn sóng thứ hai của hội họa Trường Màu, Helen Frankenthaler là một trong những nghệ sĩ đầu tiên bắt đầu sử dụng kỹ thuật vẽ stained painting (kỹ thuật vẽ "stained painting" là kỹ thuật vẽ tranh bằng cách đổ hoặc trút một lượng lớn màu sơn thưa lên bề mặt vải (thường là vải canvas) mà không sử dụng cọ hoặc bàn chải. Qua đó, màu sơn sẽ thấm vào sợi vải, tạo ra một màu sắc tươi sáng và có thể tạo ra những hiệu ứng màu sắc phức tạp trên bề mặt tranh). Morris Louis bắt đầu ngâm bức tranh của mình và hoàn toàn loại bỏ cọ vẽ khỏi thực hành nghệ thuật của mình bằng cách đổ vết sơn trên bề mặt vải để tạo ra hiệu ứng cầu vồng. Cả Louis và Kenneth Noland đều bị ảnh hưởng bởi tác phẩm của Frankenthaler và hai nghệ sĩ đã cùng nhau làm việc trên kỹ thuật vẽ nhúm với sơn mỏng. Phong cách đặc trưng của Noland thể hiện màu sắc thuần khiết, bão hòa như một phần của bức tranh, thường dưới dạng các vòng tâm. Tranh của Sam Gilliam tìm thấy hình thức của nó trong các bức tranh được giải phóng khỏi khung treo của chúng, tạo ra các cấu trúc lớn được trang trí màu sắc tươi sáng. Alma Thomas tin rằng nghệ thuật trừu tượng có sức mạnh để vượt qua các vấn đề chính trị và lịch sử và tập trung vào sức mạnh và tiềm năng của màu sắc thông qua việc sử dụng các lĩnh vực màu khác nhau và nét vẽ chấm chấm.

Ở Anh, Robyn Denny được biết đến với những bức tranh cạnh lớn kiểu cạnh cứng của ông vào những năm 60, và vào những năm 80, ông đã sản xuất một loạt những bức tranh đơn sắc khổng lồ khắc nghiệt màu xanh hoặc đỏ, với một chùm sơn ở giữa. Công việc của John Hoyland được đặc trưng bởi những hình dạng đơn giản, màu sắc táo bạo và một bề mặt hình ảnh phẳng. Richard Smith, nổi tiếng với các tác phẩm trừu tượng semi-sculptural của mình(Semi-sculptural abstract là một loại hình nghệ thuật trừu tượng được tạo ra bằng cách kết hợp các yếu tố của hình thức nghệ thuật trừu tượng và điêu khắc. Những tác phẩm semi-sculptural abstract thường có kích thước lớn và bề mặt phẳng, nhưng có thể có các chi tiết có thể gây cảm giác nổi bật hoặc thậm chí vượt ra khỏi mặt phẳng của bức tranh. Các tác phẩm này có thể được tạo ra bằng cách sử dụng các vật liệu như kim loại, gỗ, giấy, vải hoặc nhựa.).

Ví dụ về các bức tranh trường màu

Mark Rothko, Untitled, 1968. Courtesy Tate

Mark Rothko, Untitled, 1968. Courtesy Tate

Mark Rothko, Không đề (1968)

Bức tranh này của Mark Rothko, với màu vàng và cam rực rỡ, chứng tỏ sự hiểu biết tinh vi của nghệ sĩ về màu sắc và bố cục. Rothko đã mất hàng giờ để hoàn thiện bố cục của mình, mặc dù tác phẩm có vẻ đơn giản.

Barnett Newman, DionysiusBarnett Newman, Dionysius, 1949. Courtesy Estate of Barnett Newman

Barnett Newman, DionysiusBarnett Newman, Dionysius, 1949. Courtesy Estate of Barnett Newman

Barnett Newman, Dionysius (1949)

Đây là một trong những tác phẩm trước đó của Newman, bao gồm một trường màu xanh lá cây và xanh lam thanh bình với các đường ngang màu vàng và cam cắt qua trường màu.

Helen Frankenthaler, Mountains and Sea, 1952. Courtesy National Gallery of Art

Helen Frankenthaler, Mountains and Sea, 1952. Courtesy National Gallery of Art

Helen Frankenthaler, Núi và Biển (1952)

Tác phẩm mang tính bước ngoặt của Frankenthaler “Núi và biển” đánh dấu sự khác biệt so với hầu hết các tác phẩm thuộc trường phái Biểu hiện Trừu tượng. Frankenthaler đã làm việc trực tiếp trên tấm bạt không sơn lót, nhuộm nó bằng những lớp màu mỏng và tạo ra sự kết hợp giữa sơn và vải thô.

Morris Louis, Saraband, 1959. Courtesy Guggenheim

Morris Louis, Saraband, 1959. Courtesy Guggenheim

Morris Louis, Saraband (1959)

Năm 1953, Morris Louis đến thăm xưởng vẽ của Helen Frankenthaler và xem Núi và Biển, bức tranh sử dụng kỹ thuật vẽ stained painting đầu tiên của cô. Được truyền cảm hứng ngay lập tức, Louis bắt tay vào thực hiện một loạt tranh đổ màu mà ông gọi là Những tấm màn che. Để tạo ra Saraband, Louis đã đổ sơn từ trên xuống cũng như từ các mặt của tấm bạt, tạo ra những dải màu bão hòa này.

Sam Gilliam, Light Depth, 1969. Courtesy Pace Gallery

Sam Gilliam, Light Depth, 1969. Courtesy Pace Gallery

Sam Gilliam, Độ sâu ánh sáng (1969)

"Light Depth" là một trong những bức tranh Drape quan trọng nhất của Gilliam (Drape paintings tạm dịch là tranh phủ là một dạng hình thức nghệ thuật trừu tượng được sáng lập bởi nghệ sĩ họa sĩ Mỹ Sam Gilliam vào những năm 1960. Điểm đặc trưng của loại tranh này là việc sử dụng vải thay vì canvas truyền thống để tạo nên những bức tranh mang tính chất trừu tượng, chú trọng đến màu sắc, dáng vẻ, kích thước, hình dạng, v.v. Gilliam thường sơn trực tiếp lên bề mặt vải và treo chúng lên tường để tạo ra hiệu ứng không gian thú vị. Drape paintings được xem là một trong những đóng góp quan trọng nhất của nghệ sĩ Gilliam vào phong trào nghệ thuật trừu tượng Mỹ.). Bỏ qua khung tranh truyền thống, Gilliam treo tác phẩm của mình lên tường và tạo ra những màu sắc xoáy chảy, lan tỏa.

Go to