Nghệ thuật Trừu tượng

Nghệ thuật trừu tượng sử dụng ngôn ngữ thị giác từ hình dạng, khối mảng, màu sắc và đường nét để tạo nên một tác phẩm có thể tồn tại độc lập, ở một mức độ nào đó, với các tham khảo có thực từ thế giới.

Từ thời Phục hưng cho đến giữa thế kỷ 19, nghệ thuật phương Tây luôn dựa trên nền tảng logic của thấu thị và nỗ lực tái hiện một ảo ảnh về thực tế hữu hình. Tuy nhiên, đến cuối thế kỷ 19, nhiều nghệ sĩ cảm thấy cần phải sáng tạo ra một loại hình nghệ thuật mới, phản ánh những thay đổi căn bản đang diễn ra trong khoa học, công nghệ và triết học. Các nguồn cảm hứng lý thuyết của mỗi nghệ sĩ rất đa dạng, phản ánh những mối quan tâm về xã hội và trí thức trong tất cả các lĩnh vực của văn hóa phương Tây thời bấy giờ.

Nghệ thuật trừu tượng, nghệ thuật phi hình tượng, nghệ thuật phi chủ thể và nghệ thuật phi biểu tượng đều là những thuật ngữ có liên quan chặt chẽ với nhau. Chúng có ý nghĩa tương đồng nhưng không hoàn toàn giống hệt.

Sự trừu tượng (abstraction) cho thấy một sự tách biệt khỏi hiện thực trong việc mô tả hình ảnh trong nghệ thuật. Sự tách biệt này có thể nhẹ nhàng, cục bộ hoặc hoàn toàn. Trừu tượng tồn tại trên một đường liên tục. Ngay cả nghệ thuật nhằm mục đích mô phỏng thực tế ở mức độ cao nhất cũng có thể được coi là trừu tượng, ít nhất là trên lý thuyết, vì sự mô tả hoàn hảo là không thể. Các tác phẩm nghệ thuật sử dụng những cách thể hiện phóng khoáng, ví dụ như thay đổi màu sắc hoặc hình dạng theo những cách dễ nhận thấy, có thể được coi là trừu tượng một phần. Trừu tượng hoàn toàn không mang bất kỳ dấu vết nào của bất kỳ vật thể dễ nhận dạng nào. Ví dụ, trong trường phái trừu tượng hình học, người ta khó có thể tìm thấy tham chiếu đến các thực thể tự nhiên. Nghệ thuật tượng hình và trừu tượng hoàn toàn gần như loại trừ lẫn nhau. Nhưng nghệ thuật tượng hình và mô phỏng (hoặc hiện thực) thường chứa đựng sự trừu tượng một phần.

Cả trừu tượng hình học và trừu tượng trữ tình thường hoàn toàn trừu tượng. Trong số rất nhiều trường phái nghệ thuật thể hiện sự trừu tượng một phần, ví dụ như trường phái dã thú (fauvism) sử dụng màu sắc một cách nổi bật và có chủ ý khác biệt với thực tế, trường phái lập thể (cubism) làm biến dạng hình khối của các vật thể thực tế được mô tả.

Lịch sử

Thế kỷ 19 ở Châu Âu

Sự bảo trợ của nhà thờ giảm dần, trong khi sự bảo trợ cá nhân từ công chúng đóng vai trò quan trọng hơn trong việc cung cấp kế sinh nhai cho các nghệ sĩ. Ba phong trào nghệ thuật góp phần vào sự phát triển của nghệ thuật trừu tượng là Lãng mạn, Ấn tượng và Biểu hiện.

Thế kỷ 19 chứng kiến sự gia tăng độc lập sáng tạo của nghệ sĩ. Quan tâm khách quan đến thế giới quan sát được thể hiện rõ trong tranh của John Constable, J. M. W. Turner, Camille Corot, và tiếp nối đến trường phái Ấn tượng, những người tiếp nối phong cách vẽ ngoài trời của trường Barbizon.

Những dấu hiệu ban đầu của nghệ thuật mới: James McNeill Whistler đã đưa ra những gợi ý ban đầu về một loại hình nghệ thuật mới. Trong bức tranh Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket (1872), ông nhấn mạnh nhiều hơn đến cảm giác thị giác so với việc mô tả các đối tượng. Thậm chí trước đó, với các bức vẽ "linh hồn" của mình, Georgiana Houghton đã chọn cách sử dụng các hình dạng trừu tượng tương ứng với bản chất phi vật thể của chủ đề, trong thời kỳ mà "trừu tượng" chưa phải là một khái niệm (bà tổ chức triển lãm vào năm 1871).

Bức tranh ban đêm với màu đen và vàng có tên The Falling Rocket của họa sĩ James McNeill Whistler

Các họa sĩ Biểu hiện khai thác việc sử dụng bề mặt tranh táo bạo, các nét vẽ biến dạng, phóng đại và màu sắc mãnh liệt. Họ sáng tác những bức tranh giàu cảm xúc, phản ánh những phản ứng và nhận thức về trải nghiệm đương thời, đồng thời là phản ứng với trường phái Ấn tượng và các khuynh hướng bảo thủ hơn của hội họa cuối thế kỷ 19. Trường phái Biểu hiện đã thay đổi mạnh mẽ cách nhấn mạnh chủ đề, chuyển hướng sang việc miêu tả các trạng thái tâm lý của con người. Mặc dù các nghệ sĩ như Edvard Munch và James Ensor chủ yếu chịu ảnh hưởng từ trường phái Hậu Ấn tượng, họ đóng vai trò quan trọng trong sự ra đời của nghệ thuật trừu tượng vào thế kỷ 20.

Bắt đầu là một họa sĩ Ấn tượng, nhưng mục tiêu của Paul Cézanne - xây dựng một cấu trúc logic của thực tế dựa trên quan điểm từ một điểm duy nhất, với màu sắc được điều chỉnh trên các mặt phẳng - đã trở thành nền tảng của một loại hình nghệ thuật thị giác mới, sau này phát triển thành trường phái Lập thể.

Ngoài ra, vào cuối thế kỷ 19 ở Đông Âu, chủ nghĩa thần bí và triết lý tôn giáo hiện đại ban đầu do nhà thông thiên học Mme Blavatsky thể hiện đã có ảnh hưởng sâu sắc đến các nghệ sĩ tiên phong theo trường phái hình học trừu tượng như Hilma af Klint và Wassily Kandinsky. Giáo lý huyền bí của Georges Gurdjieff và P.D. Ouspensky cũng ảnh hưởng đáng kể đến sự hình thành ban đầu của các phong cách trừu tượng hình học của Piet Mondrian và các đồng nghiệp của ông vào đầu thế kỷ 20. Chủ nghĩa tâm linh cũng truyền cảm hứng cho nghệ thuật trừu tượng của Kasimir Malevich và František Kupka.

Những Ngày Đầu của Nghệ thuật Trừu tượng ở Thế kỷ 20

Fauvism và Lập thể

Vào đầu thế kỷ 20, Henri Matisse và một số nghệ sĩ trẻ khác, bao gồm cả Georges Braque (thời kỳ tiền Lập thể), André Derain, Raoul Dufy và Jean Metzinger, đã cách mạng hóa thế giới nghệ thuật Paris với những bức tranh phong cảnh và chân dung "hoang dã", đa sắc màu và giàu tính biểu cảm. Giới phê bình gọi phong cách này là Fauvism (dã thú). Ngôn ngữ màu sắc thô mộc do các họa sĩ Fauve phát triển có ảnh hưởng trực tiếp đến một nhà tiên phong khác của nghệ thuật trừu tượng, Wassily Kandinsky.

Cùng với Fauvism, Chủ nghĩa Lập thể - dựa trên ý tưởng của Cézanne rằng tất cả các hình ảnh về thiên nhiên đều có thể được giảm thiểu thành hình khối, hình cầu và hình nón - trở thành phong trào nghệ thuật trực tiếp mở ra cánh cửa cho nghệ thuật trừu tượng vào đầu thế kỷ 20.

Nghệ thuật Trừu tượng Sơ kỳ

Tại Triển lãm Salon de la Section d'Or năm 1912, nơi František Kupka trưng bày bức tranh trừu tượng Amorpha, Fugue en deux couleurs (1912), nhà thơ Guillaume Apollinaire đã đặt tên cho tác phẩm của một số nghệ sĩ, bao gồm Robert Delaunay, là Orphism (Óng ánh). Ông định nghĩa nó là "nghệ thuật vẽ những cấu trúc mới từ các yếu tố không được mượn từ lĩnh vực thị giác, mà do chính nghệ sĩ sáng tạo ra... đó là một nghệ thuật thuần túy."

Francis Picabia, c. 1909, Caoutchouc, Trung tâm Pompidou, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại Quốc gia, Paris

Kể từ đầu thế kỷ, các mối liên hệ văn hóa giữa các nghệ sĩ ở các thành phố lớn của châu Âu trở nên cực kỳ sôi động khi họ phấn đấu để tạo ra một hình thức nghệ thuật ngang bằng với những khát vọng cao cả của chủ nghĩa hiện đại. Các ý tưởng được truyền bá chéo nhau thông qua sách nghệ thuật, triển lãm và tuyên ngôn, tạo cơ sở cho sự thử nghiệm và thảo luận đa dạng, đồng thời hình thành nền tảng cho nhiều phương thức trừu tượng khác nhau.

Từ năm 1909 đến năm 1913, nhiều tác phẩm thử nghiệm trong hành trình tìm kiếm "nghệ thuật thuần túy" này đã được một số nghệ sĩ sáng tác: Francis Picabia vẽ Caoutchouc (khoảng năm 1909), Mùa Xuân (1912), Khiêu vũ tại Mùa Xuân và Đám rước, Seville (1912); Wassily Kandinsky vẽ Không đề (Tranh màu nước trừu tượng đầu tiên) (1913), Improvisation 21A, loạt tranh Ấn tượng và Bức tranh với một vòng tròn (1911); František Kupka vẽ các tác phẩm Orphism, Vòng tròn màu sắc của Newton (Nghiên cứu cho Fugue in Two Colors) (1912) và Amorpha, Fugue en deux couleurs (1912); Robert Delaunay vẽ một loạt tranh có tựa đề Cửa sổ Đồng thời và Hình dạng Tròn, Mặt trời số 2 (1912–13);[22] Léopold Survage sáng tác Nhịp điệu Màu sắc (Nghiên cứu cho phim) (1913); Piet Mondrian vẽ Bảng số 1 và Bố cục số 11 (1913).

František Kupka, Amorpha, Fugue in Two Colors, 1912, Narodni Galerie, Praha. Được trưng bày tại Salon d'Automne năm 1912, Paris.

Với việc sử dụng màu sắc biểu cảm và nét vẽ tự do, giàu trí tưởng tượng, Henri Matisse đã đến rất gần với nghệ thuật trừu tượng tinh túy trong Cửa sổ Pháp tại Collioure (1914), Cảnh Nhà thờ Đức Bà (1914) và Rèm Vàng từ năm 1915.

Và hành trình tiếp tục: Các bức vẽ Tia sáng (Luchizm) của Natalia Goncharova và Mikhail Larionov sử dụng các đường nét như tia sáng để tạo nên một cấu trúc. Kasimir Malevich hoàn thành tác phẩm trừu tượng hoàn toàn đầu tiên của mình, Bức tranh Siêu hình, Hình vuông Đen, vào năm 1915. Liubov Popova, một thành viên khác của nhóm Siêu hình, đã sáng tác các tác phẩm Kiến trúc Xây dựng và Lực lượng Không gian Xây dựng trong khoảng từ năm 1916 đến năm 1921. Piet Mondrian phát triển ngôn ngữ trừu tượng của mình, gồm các đường ngang và đường dọc với hình chữ nhật màu, trong khoảng từ năm 1915 đến năm 1919.

Nghệ thuật avant-garde của Nga

Nhiều nghệ sĩ trừu tượng ở Nga trở thành những người theo Trường phái Tiên phong, tin rằng nghệ thuật không còn là thứ gì đó xa vời, mà chính là cuộc sống. Nghệ sĩ phải trở thành kỹ thuật viên, học cách sử dụng các công cụ và vật liệu sản xuất hiện đại. "Nghệ thuật vào cuộc sống!" là khẩu hiệu của Vladimir Tatlin và tất cả những người theo trường phái Kiến tạo tương lai. Varvara Stepanova, Alexandre Exter và những người khác đã từ bỏ tranh easel (tranh được đặt trên giá vẽ để vẽ) và chuyển hướng sang thiết kế sân khấu và các tác phẩm đồ họa.

Bức tranh Black Square, 1923 của họa sĩ Kazimir Malevich, tại bảo tàng The Russian

Đối lập với họ là Kazimir Malevich, Anton Pevsner và Naum Gabo. Họ cho rằng nghệ thuật về cơ bản là một hoạt động tinh thần; để tạo ra vị trí của cá nhân trên thế giới, chứ không phải để tổ chức cuộc sống theo nghĩa vật chất, thực dụng. Trong thời gian đó, những đại diện của phong trào tiên phong Nga đã hợp tác với các nghệ sĩ Kiến tạo Đông Âu khác, bao gồm Władysław Strzemiński, Katarzyna Kobro và Henryk Stażewski.

Nhiều người phản đối ý tưởng nghệ thuật phục vụ sản xuất vật chất đã rời khỏi Nga. Anton Pevsner đến Pháp, Gabo đến Berlin trước, rồi đến Anh và cuối cùng là Mỹ. Kandinsky học tập tại Moscow sau đó đến Bauhaus. Đến giữa những năm 1920, giai đoạn cách mạng (1917 đến 1921) khi các nghệ sĩ được tự do thử nghiệm đã kết thúc; và đến những năm 1930, chủ nghĩa hiện thực xã hội hội là trường phái duy nhất được phép.

Âm nhạc

Khi nghệ thuật thị giác trở nên trừu tượng hơn, nó phát triển một số đặc điểm của âm nhạc: một hình thức nghệ thuật sử dụng các yếu tố trừu tượng của âm thanh và nhịp điệu. Wassily Kandinsky, bản thân là một nhạc sĩ nghiệp dư, đã được truyền cảm hứng bởi khả năng của các dấu ấn và màu sắc gợi mở cộng hưởng trong tâm hồn. Ý tưởng này đã được Charles Baudelaire đưa ra, rằng tất cả các giác quan của chúng ta đều phản ứng với các kích thích khác nhau nhưng các giác quan được kết nối ở một cấp độ thẩm mỹ sâu sắc hơn.

Gắn liền với điều này là ý tưởng cho rằng nghệ thuật có chiều kích tinh thần và có thể vượt qua trải nghiệm 'ngày thường', đạt đến một lĩnh vực tinh thần. Hiệp hội Thông thiên học đã phổ biến những triết lý cổ xưa từ các kinh sách của Ấn Độ và Trung Quốc vào đầu thế kỷ. Chính trong bối cảnh này mà Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint và các nghệ sĩ khác đang hướng tới một 'trạng thái phi vật thể' đã trở nên quan tâm đến huyền học như một cách để tạo ra một vật thể 'bên trong'. Các hình dạng phổ quát và vượt thời gian được tìm thấy trong hình học: hình tròn, hình vuông và hình tam giác trở thành các yếu tố không gian trong nghệ thuật trừu tượng; chúng, giống như màu sắc, là các hệ thống cơ bản nằm bên dưới thực tế hữu hình.

Bauhaus

Bauhaus ở Weimar, Đức được thành lập vào năm 1919 bởi Walter Gropius. Triết lý cơ bản của chương trình giảng dạy là sự thống nhất của tất cả các nghệ thuật thị giác và tạo hình từ kiến trúc và hội họa đến dệt may và kính màu. Triết lý này phát triển từ những ý tưởng của phong trào Nghệ thuật và Thủ công mỹ nghệ ở Anh và Deutscher Werkbund. Trong số các giảng viên có Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers và László Moholy-Nagy. Năm 1925, ngôi trường được chuyển đến Dessau và khi Đảng Nazi nắm quyền vào năm 1932, Bauhaus đã bị đóng cửa. Năm 1937, một cuộc triển lãm về nghệ thuật "thoái hóa", 'Entartete Kunst' chứa đựng tất cả các loại hình nghệ thuật tiên phong không được Đảng Nazi chấp thuận. Sau đó là cuộc di cư ồ ạt: không chỉ từ Bauhaus mà còn từ Châu Âu nói chung; đến Paris, London và Mỹ. Paul Klee đến Thụy Sĩ nhưng nhiều nghệ sĩ Bauhaus đã đến Mỹ.

Nghệ thuật Trừu Tượng tại Paris và London

Trong những năm 1930, Paris trở thành nơi cư ngụ của các nghệ sĩ từ Nga, Đức, Hà Lan và các nước châu Âu khác bị ảnh hưởng bởi sự trỗi dậy của chủ nghĩa toàn trị. Sophie Tauber và Jean Arp hợp tác trong các tác phẩm hội họa và điêu khắc sử dụng hình thức hữu cơ/hình học. Katarzyna Kobro, nghệ sĩ người Ba Lan, đã áp dụng các ý tưởng dựa trên toán học vào tác phẩm điêu khắc của mình. Sự phong phú của các loại hình nghệ thuật trừu tượng hiện hữu gần gũi nhau đã dẫn đến những nỗ lực phân tích các nhóm khái niệm và thẩm mỹ khác nhau của các nghệ sĩ.

Tác phẩm Das Undbild, 1919 của Kurt Schwitters, được trưng bày tại Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgart, Đức.

Triển lãm của bốn mươi sáu thành viên thuộc nhóm Cercle et Carré do Joaquín Torres-García tổ chức với sự hỗ trợ của Michel Seuphor trưng bày các tác phẩm của trường phái Tân-Dự Thực (Neo-Plasticism) cũng như các họa sĩ trừu tượng đa dạng như Kandinsky, Anton Pevsner và Kurt Schwitters. Bị Theo van Doesburg chỉ trích là một bộ sưu tập quá mơ hồ, ông đã xuất bản tạp chí Art Concret nêu ra bản tuyên ngôn định nghĩa một loại hình nghệ thuật trừu tượng trong đó đường nét, màu sắc và bề mặt chính là hiện thực cụ thể.

Abstraction-Création được thành lập vào năm 1931 với tư cách là một nhóm cởi mở hơn, cung cấp điểm tham chiếu cho các nghệ sĩ trừu tượng. Khi tình hình chính trị xấu đi vào năm 1935, các nghệ sĩ lại tập hợp lại, nhiều người đến London. Triển lãm đầu tiên về nghệ thuật trừu tượng của Anh được tổ chức tại Anh vào năm 1935. Năm sau, triển lãm Trừu tượng và Cụ thể mang tính quốc tế hơn được tổ chức bởi Nicolete Gray, bao gồm các tác phẩm của Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth và Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson và Gabo gia nhập nhóm St. Ives ở Cornwall để tiếp tục công việc 'xây dựng' (constructivism) của họ.

Cuối thế kỷ 20

Trong những năm 1930, khi Đức Quốc xã lên nắm quyền, nhiều nghệ sĩ đã rời châu Âu đến Hoa Kỳ. Đến đầu những năm 1940, các phong trào chính trong nghệ thuật hiện đại - Biểu hiện, Lập thể, Trừu tượng, Siêu thực và Dada - đều có mặt tại New York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst, và André Breton chỉ là một vài người châu Âu lưu vong đến New York. Những ảnh hưởng văn hóa phong phú do các nghệ sĩ châu Âu mang lại đã được các họa sĩ địa phương New York chắt lọc và phát triển. Môi trường tự do ở New York cho phép tất cả những ảnh hưởng này phát triển mạnh mẽ. Các phòng trưng bày nghệ thuật vốn tập trung chủ yếu vào nghệ thuật châu Âu bắt đầu chú ý đến cộng đồng nghệ thuật địa phương và các tác phẩm của các nghệ sĩ trẻ người Mỹ đang dần trưởng thành.

Một số nghệ sĩ trong thời kỳ này có phong cách trưởng thành rõ ràng là trừu tượng. Trong giai đoạn này, bức tranh Bố cục số 10 của Piet Mondrian, năm 1939-1942, đặc trưng bởi các màu cơ bản, nền trắng và các đường lưới đen, đã định nghĩa rõ ràng cách tiếp cận căn bản nhưng cổ điển của ông đối với hình chữ nhật và nghệ thuật trừu tượng nói chung. Một số nghệ sĩ trong thời kỳ này không thể phân loại, chẳng hạn như Georgia O'Keeffe, mặc dù là một nhà trừu tượng hiện đại, nhưng bà là một người độc lập thực sự khi vẽ những hình thức trừu tượng cao trong khi không tham gia bất kỳ nhóm cụ thể nào của giai đoạn này.

Một bức tranh sơn dầu trên vải năm 1939–1942 của Piet Mondrian có tựa đề Sáng tác số 10

Cuối cùng, các nghệ sĩ Mỹ làm việc theo nhiều phong cách khác nhau bắt đầu hợp nhất thành các nhóm phong cách gắn kết. Nhóm nghệ sĩ Mỹ nổi tiếng nhất được gọi là Biểu hiện Trừu tượng và Trường phái New York. Tại thành phố New York, có một bầu không khí khuyến khích thảo luận và có cơ hội học hỏi, phát triển mới. Các nghệ sĩ và giáo viên John D. Graham và Hans Hofmann trở thành những nhân vật cầu nối quan trọng giữa những nhà Hiện đại châu Âu mới đến và các nghệ sĩ trẻ người Mỹ đang trưởng thành. Mark Rothko, sinh ra ở Nga, bắt đầu với hình ảnh siêu thực mạnh mẽ, sau đó chuyển thành các bố cục màu sắc mạnh mẽ của ông vào đầu những năm 1950. Cử chỉ biểu hiện và hành động vẽ tranh trở thành yếu tố quan trọng hàng đầu đối với Jackson Pollock, Robert Motherwell và Franz Kline. Trong khi đó, vào những năm 1940, các tác phẩm hình tượng của Arshile Gorky và Willem de Kooning đã phát triển thành trừu tượng vào cuối thập kỷ. Thành phố New York trở thành trung tâm, và các nghệ sĩ trên toàn thế giới hướng về nó; từ những nơi khác ở Mỹ cũng vậy.

Thế kỷ 21

Nghệ thuật kỹ thuật số, hội họa mảng phẳng (hard-edge painting), trừu tượng hình học, tối giản (minimalism), trừu tượng trữ tình (lyrical abstraction), nghệ thuật thị giác (op art), biểu hiện trừu tượng (abstract expressionism), hội họa trường màu (color field painting), hội họa đơn sắc (monochrome painting), ghép mảnh (assemblage), tân Dada (neo-Dada), hội họa vải bạt định hình (shaped canvas painting) là một vài hướng đi liên quan đến nghệ thuật trừu tượng trong nửa sau thế kỷ 20.

Tại Hoa Kỳ, "Nghệ thuật như Đối tượng" được thể hiện trong tác phẩm điêu khắc tối giản của Donald Judd và tranh của Frank Stella ngày nay được coi là những biến thể mới. Các ví dụ khác bao gồm Trừu tượng Trữ tình và việc sử dụng màu sắc gợi cảm trong tác phẩm của các họa sĩ đa dạng như Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell và Veronica Ruiz de Velasco.