Tranh phong cảnh là gì

Tranh phong cảnh là gì

Ngày đăng: 25/07/2021

Tranh phong cảnh là gì?

Tranh phong cảnh, còn được gọi là nghệ thuật phong cảnh, là một bức tranh mô tả cảnh thiên nhiên như phong cảnh đồi núi, các thung lũng, cảnh rừng cây, dòng sông, mà đặc biệt trong đó chủ thể chính là tổng thể của các thành phần trong đó được sắp xếp thành một bố cục liên tục và mạch lạc. Trong các tác phẩm khác, nền phong cảnh cho các nhân vật vẫn có thể tạo thành một phần quan trọng của tác phẩm. Bầu trời hầu như luôn được xuất hiện trong tranh và thời tiết thường là một yếu tố của bố cục. Phong cảnh chi tiết như một chủ thể riêng biệt không được tìm thấy trong tất cả các tranh nghệ thuật truyền thống.

Hai truyền thống chính bắt nguồn từ hội họa phương Tây và nghệ thuật Trung Quốc, đã trở lại hơn một nghìn năm trong cả hai trường hợp. Sự thừa nhận yếu tố tinh thần trong nghệ thuật phong cảnh đã có mặt ngay từ đầu trong nghệ thuật Đông Á, dựa trên Đạo giáo và các truyền thống triết học khác, nhưng ở phương Tây chỉ trở nên rõ ràng với Chủ nghĩa lãng mạn.

Crossing the River Styx - Băng qua sống Styx

Cảnh Charon băng qua sông Styx - Joachim Patinir

Phong cảnh trong tác phẩm nghệ thuật có thể hoàn toàn là tưởng tượng hoặc được sao chép từ thực tế với các mức độ chính xác khác nhau. Nếu mục đích chính của một bức tranh là mô tả một địa điểm thực tế, cụ thể, đặc biệt là bao gồm các tòa nhà một cách nổi bật, thì nó được gọi phong cảnh địa hình. Những quan điểm như vậy, cực kỳ phổ biến như tranh in ở phương Tây, thường bị coi là kém hơn so với phong cảnh mỹ thuật, mặc dù sự khác biệt không phải lúc nào cũng có ý nghĩa; những định kiến ​​tương tự cũng tồn tại trong nghệ thuật Trung Quốc, nơi mà hội họa văn học thường miêu tả những khung cảnh tưởng tượng, trong khi những họa sĩ chuyên nghiệp chỉ vẽ những khung cảnh thực.

Truyền thống vẽ tranh bằng mực của Trung Quốc về tranh sơn thủy, hay thuần phong cảnh, trong đó dấu hiệu duy nhất của cuộc sống con người thường là cảnh vẽ một nhà hiền triết hoặc có loáng thoáng túp lều của người này, sử dụng nền phong cảnh tinh vi để vẽ các chủ thể, và nghệ thuật phong cảnh của thời kỳ này vẫn giữ được vị thế cổ điển và được bắt chước nhiều trong các tranh truyền thống của Trung Quốc.

Núi Đông Nguyên

Tranh phong cảnh núi Đồng Nguyên (Dong Yuan Mountain) - Dongtian

Cả truyền thống La Mã và Trung Quốc thường cho thấy những bức tranh toàn cảnh tuyệt đẹp về những cảnh quan tưởng tượng, thường được bổ sung thêm một loạt các ngọn núi hùng vĩ - ở Trung Quốc thường có thác nước và ở Rome thường bao gồm biển, hồ hoặc sông. Phong cách Trung Quốc thường chỉ cho thấy một cảnh ở khoảng cách xa, hoặc sử dụng một một thứ gì đó chẳng hạn như sương mù để che lấp phần tiền cảnh.

Một sự tương phản chính giữa tranh phong cảnh ở phương Tây và Á Đông là trong khi ở phương Tây cho đến thế kỷ 19, nó chiếm vị trí thấp trong hệ thống phân cấp thể loại được chấp nhận, thì ở Đông Á, tranh mực nước (tranh thủy mặc) núi non cổ điển của Trung Quốc lại là bức tranh truyền thống nhất, là loại hình nghệ thuật tạo hình được yêu thích. Các lý thuyết thẩm mỹ ở cả hai khu vực đều đưa ra vị thế cao nhất cho các tác phẩm được xem là đòi hỏi trí tưởng tượng của họa sĩ nhiều nhất. Ở phương Tây, đây là bức tranh mang tính lịch sử, nhưng ở Á Đông, lại là tranh phong cảnh tưởng tượng.

Tuy nhiên, ở phương Tây, vẽ tranh lịch sử đòi hỏi phải có một bức tranh phong cảnh rộng lớn, vì vậy lý thuyết này không hoàn toàn chống lại sự phát triển của hội họa phong cảnh - trong vài thế kỷ, các bức tranh phong cảnh thường xuyên được nâng lên vị thế của bức tranh lịch sử bằng cách thêm vào những bức tranh nhỏ các nhân vật để tạo ra một tranh mang tính tường thuật, điển hình là tôn giáo hoặc thần thoại.

Truyền thống phương Tây

Vào đầu thời trung cổ phương Tây, sở thích về phong cảnh gần như biến mất hoàn toàn, chỉ còn tồn tại trong các bản sao của các tác phẩm Hậu cổ. Đầu thế kỷ 15, tranh phong cảnh được thành lập như một thể loại đặc trưng ở châu Âu, như một bối cảnh cho hoạt động của con người, thường được thể hiện trong một chủ đề tôn giáo.

Nền của tranh phong cảnh cho các loại hình hội họa ngày càng trở nên nổi bật và khéo léo trong suốt thế kỷ 15. Khoảng cuối thế kỷ 15 chứng kiến ​​những bức vẽ phong cảnh và màu nước thuần túy từ Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer, Fra Bartolomeo và những người khác, nhưng những chủ đề phong cảnh thuần túy trong hội họa và in ấn vẫn còn nhỏ lẻ. Sự phát triển của người Ý về một hệ thống phối cảnh đồ họa toàn diện giờ đây đã được biết đến trên toàn châu Âu, nó cho phép vẽ các khung cảnh lớn và phức tạp một cách rất hiệu quả.

Trinh nữ và thỏ

Tranh trinh nữ của thỏ trắng (La Vierge au Lapin à la Loupe) - Titian

Tranh phong cảnh được lý tưởng hóa, hầu hết phản ánh một lý tưởng mục vụ (lối sống của mục tử chăn gia súc xung quanh khu vực) được rút ra từ thơ cổ, lần đầu tiên được thể hiện đầy đủ bởi Giorgione và chàng trai trẻ Titian, và trên hết vẫn gắn liền với phong cảnh đồi núi của Ý, chúng được miêu tả bởi các họa sĩ từ Bắc Âu chưa từng đến thăm Ý, cũng giống như giới văn hóa đơn sơ ở Trung Quốc và Nhật Bản đã vẽ những ngọn núi xanh tươi. Mặc dù các nghệ sĩ trẻ thường được khuyến khích đến thăm Ý để trải nghiệm, nhiều nghệ sĩ Bắc Âu có thể kiếm sống bằng việc bán các bức tranh phong cảnh Ý mà không cần bận tâm đến tận nơi. Thật vậy, một số phong cách nhất định đã phổ biến đến mức chúng trở thành công thức có thể được sao chép nhiều lần.

Phong cảnh cồn cát

Phong cảnh cồn cát (Dune Landscape), một ví dụ về phong cách "tông màu" trong bức tranh Thời kỳ Hoàng kim của Hà Lan - Jan van Goyen

Hội họa Thời kỳ Hoàng kim của Hà Lan vào thế kỷ 17 chứng kiến ​​sự phát triển mạnh mẽ của hội họa phong cảnh, trong đó nhiều họa sĩ đã chuyên môn hóa, phát triển các kỹ thuật hiện thực cực kỳ tinh tế để miêu tả ánh sáng và thời tiết. Hầu hết các bức tranh phong cảnh đều tương đối nhỏ. Người Hà Lan có xu hướng vẽ các bức tranh nhỏ cho những ngôi nhà nhỏ.

Ở Anh, tranh phong cảnh ban đầu chủ yếu là làm nền cho các bức chân dung, thường mô tả các công viên hoặc điền trang của một chủ đất, mặc dù chủ yếu được vẽ ở London bởi một họa sĩ chưa bao giờ đến thăm các khu vực đó.

Hồ Vico Giữa Rome và Florence

Màu nước theo truyền thống Anh, Hồ Vico Giữa Rome và Florence (Lake of Vico Between Rome and Florence) - John Robert Cozens

Vào thế kỷ 18, tranh màu nước, chủ yếu là về phong cảnh, đã trở thành một đặc sản của Anh, với cả một thị trường sôi động cho các tác phẩm chuyên nghiệp và một số lượng lớn các họa sĩ nghiệp dư. Vào đầu thế kỷ 19, các họa sĩ người Anh nổi tiếng chủ yếu là những họa sĩ chuyên phong cảnh. Tuy nhiên, tất cả những người này đều gặp khó khăn trong việc xác lập thị trường nghệ thuật đương đại, vốn vẫn ưa thích các bức tranh lịch sử và chân dung.

Thế kỷ 18 cũng là thời đại rực rỡ của thể loại tranh in địa hình, mô tả ít nhiều chính xác khung cảnh thực theo cách mà tranh vẽ phong cảnh hiếm khi làm được. Ban đầu chúng chủ yếu tập trung vào một tòa nhà, nhưng trong suốt thế kỷ, với sự phát triển của phong trào Lãng mạn, cảnh quan thuần túy trở nên phổ biến hơn. Tranh in địa hình, thường được đóng khung treo trên tường, vẫn là một loại hình rất phổ biến vào thế kỷ 20, nhưng thường được xếp vào loại hình nghệ thuật thấp hơn là phong cảnh vẽ tưởng tượng.

Tranh phong cảnh màu nước trên giấy đã trở thành một chủ nghĩa đặc biệt riêng biệt, hơn hết là ở Anh, nơi truyền thống đặc biệt của các họa sĩ tài năng, những người chỉ, hoặc gần như hoàn toàn vẽ phong cảnh bằng màu nước đã phát triển, và hầu như không có ở các nước khác. Đây thường là những góc nhìn rất thực, mặc dù đôi khi các bố cục đã được điều chỉnh để có hiệu quả nghệ thuật. Những bức tranh được bán tương đối rẻ, nhưng sản xuất nhanh hơn rất nhiều. Những chuyên gia này có thể tăng thu nhập của họ bằng cách đào tạo "thợ vẽ nghiệp dư" để cùng vẽ.

Ở Tây Ban Nha, người thúc đẩy chính của thể loại này là họa sĩ người Bỉ sinh ra Carlos de Haes, một trong những giáo sư phong cảnh tích cực nhất tại Học viện Mỹ thuật San Fernando ở Madrid từ năm 1857. Sau khi học với các bậc thầy phong cảnh Flemish vĩ đại, ông đã phát triển kỹ thuật của mình để vẽ ngoài trời. Trở lại Tây Ban Nha, Haes dẫn các học trò của mình đi vẽ ở vùng nông thôn.

Tại Hoa Kỳ, trường Hudson River, nổi bật trong khoảng giữa đến cuối thế kỷ 19, có lẽ là sự phát triển của những họa sĩ bản địa nổi tiếng nhất trong nghệ thuật phong cảnh. Những họa sĩ này đã tạo ra những tác phẩm có kích thước khổng lồ nhằm cố gắng nắm bắt phạm vi sử thi của những cảnh quan mà đã truyền cảm hứng cho họ. Tác phẩm của Thomas Cole, người sáng lập trường được nhiều người thừa nhận có nhiều điểm tương đồng với những lý tưởng triết học của các bức tranh phong cảnh châu Âu - một loại niềm tin thế tục vào những lợi ích tinh thần có được từ việc chiêm ngưỡng vẻ đẹp tự nhiên. Một số nghệ sĩ của Trường Hudson River sau này, chẳng hạn như Albert Bierstadt, đã tạo ra những tác phẩm nhấn mạnh nhiều hơn vào sức mạnh thô sơ, thậm chí đáng sợ của thiên nhiên. Frederic Edwin Church, một sinh viên của Cole, tổng hợp các ý tưởng của mình với những người đương thời của châu Âu để trở thành họa sĩ phong cảnh Mỹ quan trọng nhất của thế kỷ này. Những ví dụ điển hình nổi bật nhất trong những năm 1920 về hội họa phong cảnh Canada có thể được tìm thấy trong các tác phẩm của Nhóm Bảy người (một nhóm các họa sĩ phong cảnh Canada).

Truyền thống Đông Á

Tranh phong cảnh có thể được coi là "đóng góp vĩ đại nhất của Trung Quốc cho nghệ thuật thế giới", và mang đặc tính đặc biệt của truyền thống Đạo giáo (Daoist) trong văn hóa Trung Quốc. William Watson nói rằng "Người ta nói rằng vai trò của nghệ thuật phong cảnh trong hội họa Trung Quốc tương ứng với vai trò của khỏa thân ở phương Tây, như một chủ đề tự thân nó không thay đổi, làm nên những sắc thái vô hạn của thị giác và cảm giác".

Ngày càng có nhiều tranh phong cảnh có cảnh nền tinh vi cho các chủ thể thể hiện việc săn bắn, trồng trọt hoặc cho động vật từ thời nhà Hán trở đi, với các ví dụ còn sót lại chủ yếu là các bức phù điêu bằng đá hoặc đất sét từ các ngôi mộ, được cho là tuân theo các phong cách thịnh hành trong hội họa. Tính chính xác của các bản sao sau này của các tác phẩm danh tiếng của các họa sĩ nổi tiếng (nhiều người trong số họ đã được ghi chép trong văn học) trước thế kỷ 10 là không rõ ràng. Một ví dụ là một bức tranh nổi tiếng thế kỷ 8 từ bộ sưu tập của Hoàng gia, có tiêu đề Hoàng đế Minh Hoàng du hành ở Thục. Điều này cho thấy những người tùy tùng cưỡi qua những ngọn núi thẳng đứng, một kiểu điển hình của các bức tranh sau này, nhưng có đầy đủ màu sắc "tạo ra một mô hình tổng thể gần như là nước Ba Tư", trong đó rõ ràng là một phong cách cung đình phổ biến và thời thượng.

Khiêu vũ và ca hát

Khiêu vũ và ca hát (những người nông dân đi làm về), thế kỷ 13, Nam Tống (Dancing and Singing) - Ma Yuan

Sự chuyển hướng quyết định sang phong cách phong cảnh đơn sắc, là do Wang Wei (699-759), cũng nổi tiếng là một nhà thơ; hầu hết chỉ có các bản sao của các tác phẩm của ông còn tồn tại. Từ thế kỷ thứ 10 trở đi, ngày càng có nhiều bức tranh gốc tồn tại, và những tác phẩm của Trường Nam triều Tống (960–1279) vẫn nằm trong số những tác phẩm được đánh giá cao nhất trong truyền thống không bị gián đoạn cho đến ngày nay. Công ước Trung Quốc đánh giá cao các bức tranh của một học giả nghiệp dư, thường cũng là một nhà thơ, hơn những bức tranh của các nhà chuyên môn. Các tác phẩm nổi tiếng thường có một số lượng các con mộc "ấn tri ân" màu đỏ, và các bài thơ được thêm vào bởi các chủ nhân sau này - Hoàng đế Càn Long (1711–1799) là người bổ sung nhiều bài thơ của riêng mình.

Truyền thống tranh sơn thủy không bao giờ mô tả một địa điểm thực tế nào, ngay cả khi được đặt tên theo địa danh của chúng, như trong quy ước của Tám Quan điểm. Một phong cách khác, được phát hành bởi các hội thảo của các họa sĩ cung đình chuyên nghiệp, vẽ nên những góc nhìn chính thức về các chuyến tham quan và nghi lễ của Hoàng gia, với điểm nhấn chính là những cảnh rất chi tiết của các thành phố đông đúc và các nghi lễ lớn từ góc nhìn cao. Chúng được vẽ trên các cuộn giấy có chiều dài rất lớn với màu sáng.

Nghệ thuật Nhật Bản ban đầu phỏng theo phong cách Trung Quốc để phản ánh sự quan tâm của họ đối với các chủ đề mang tính tường thuật trong nghệ thuật, với các cảnh lấy bối cảnh phong cảnh kết hợp với các cảnh cung điện hoặc thành phố sử dụng cùng một điểm nhìn từ trên cao, cắt bớt mái nhà nếu cần. Chúng xuất hiện trong các cuộn yamato-e (là một phong cách hội họa Nhật Bản lấy cảm hứng từ các bức tranh thời nhà Đường và được phát triển hoàn chỉnh vào cuối thời Heian. Nó được coi là phong cách cổ điển của Nhật Bản.) rất dài minh họa Truyện Genji và các chủ đề khác, chủ yếu từ thế kỷ 12 và 13. Khái niệm họa sĩ nghiệp dư ít được biết đến ở Nhật Bản thời phong kiến, nơi các nghệ sĩ nói chung là những người chuyên nghiệp có mối liên hệ chặt chẽ với những người thầy và trường học của mình, hơn là những họa sĩ cổ điển trong quá khứ xa xôi, từ đó các họa sĩ Trung Quốc có xu hướng vẽ theo cảm hứng của họ. Bức tranh ban đầu được tô màu hoàn toàn, thường rất rực rỡ, và phong cảnh không bao giờ lấn át những nhân vật được cho là khá quá khổ.

Đọc sách trong rừng tre

Đọc sách trong rừng tre (Reading in a Bamboo Grove) - Tenshō Shūbun , một thiền sư Phật giáo , một nhân vật đầu tiên trong việc phục hưng phong cách Trung Hoa ở Nhật Bản

Nhiều chủ thể phong cảnh thuần túy hơn tồn tại từ thế kỷ 15 trở đi; một số họa sĩ chính là các giáo sĩ Phật giáo Thiền, và vẽ theo phong cách đơn sắc với sự chú trọng nhiều hơn vào các nét vẽ theo cách Trung Quốc. Một số trường học đã áp dụng một phong cách kém tinh tế hơn, với các góc nhìn nhỏ hơn tạo ra điểm nhấn lớn hơn cho tiền cảnh. Một loại hình ảnh có sức hấp dẫn lâu dài đối với các nghệ sĩ Nhật Bản, và được gọi là "phong cách Nhật Bản", trên thực tế, lần đầu tiên được tìm thấy ở Trung Quốc. Loại này kết hợp một hoặc nhiều loài chim lớn, động vật hoặc cây cối ở tiền cảnh, thường ở một bên trong bố cục theo chiều ngang, với cảnh quan rộng hơn bên kia, thường chỉ bao gồm các phần của hậu cảnh. Các phiên bản sau của phong cách này thường phân phối hoàn toàn với nền phong cảnh.

Các phong cách ukiyo-e được phát triển từ thế kỷ 16 trở đi và phổ biến rộng rãi, ban đầu tập trung vào gương mặt của con người, cá nhân và theo nhóm. Nhưng từ cuối thế kỷ 18 phong cảnh ukiyo-e đã phát triển dưới thời Hokusai và Hiroshige để trở thành loại hình nghệ thuật phong cảnh Nhật Bản được biết đến nhiều nhất.

Mặc dù có một số yếu tố phong cảnh trong nghệ thuật trước đó, nhưng truyền thống phong cảnh thu nhỏ của Ba Tư thực sự bắt đầu từ thời kỳ Ilkhanid, phần lớn chịu ảnh hưởng của Trung Quốc. Đất nước nhiều núi đá được các họa sĩ ưa thích hơn, nơi có đầy đủ các loài động vật và thực vật được mô tả một cách cẩn thận và riêng biệt. Quy ước truyền thống cụ thể về điểm nhìn trên cao là lấp đầy hầu hết không gian của tranh phong cảnh theo chiều dọc, mặc dù các đám mây cũng thường được thể hiện trên bầu trời. Thông thường, mọi thứ nhìn thấy đều khá gần với người xem và có rất ít cảnh có khoảng cách xa. Thông thường tất cả các tranh phong cảnh đều thể hiện cảnh tường thuật với các số liệu, nhưng có một vài tranh phong cảnh thuần túy được vẽ trong các album.

Một bức tranh thuần phong cảnh hiếm có trong một khu thu nhỏ của Ba Tư, với một con sông, Tabriz

Một bức tranh thuần phong cảnh hiếm có trong một khu thu nhỏ của Ba Tư, với một con sông, Tabriz

Bức tranh của người Hindu từ lâu đã lấy bối cảnh giữa những thảm thực vật tươi tốt. Bức tranh Mughal đã kết hợp phong cách này với phong cách Ba Tư, và trong các bức tranh thu nhỏ của các cuộc săn bắn của hoàng gia thường mô tả phong cảnh rộng lớn. Những tranh lấy bối cảnh trong những cơn mưa gió mùa, với những đám mây đen và những tia chớp, được nhiều người yêu thích. Sau đó cũng có các bản in và điều này rõ ràng là do có ảnh hưởng của châu Âu.

Hầu hết các tranh phong cảnh ban đầu rõ ràng đều là hình ảnh từ sự tưởng tượng, mặc dù ngay từ rất sớm, các tranh phong cành thành phố, thị trấn đã rõ ràng nhằm mô tả các thành phố thực tế, với các mức độ chính xác khác nhau. Nhiều kỹ thuật khác nhau đã được sử dụng để mô phỏng tính ngẫu nhiên của các dạng tự nhiên trong các tác phẩm được họa sĩ sáng tác.

Xem thêm tranh:
Go to