Aestheticism - Chủ nghĩa Thẩm mỹ

Chủ nghĩa Thẩm mỹ (còn được gọi là phong trào thẩm mỹ) là một phong trào nghệ thuật vào cuối thế kỷ 19, coi trọng hình thức của văn học, âm nhạc, kiểu chữ và nghệ thuật hơn là chức năng của chúng. Theo Chủ nghĩa Thẩm mỹ, nghệ thuật nên được tạo ra để hướng tới cái đẹp, thay vì để dạy dỗ, tạo ra sự so sánh hay phục vụ bất kỳ mục đích giáo huấn nào khác, một quan điểm được thể hiện rõ nhất qua khẩu hiệu "nghệ thuật vị nghệ thuật". Chủ nghĩa Thẩm mỹ phát triển rực rỡ trong những năm 1870 và 1880, nổi lên và nhận được sự ủng hộ của các nhà văn đáng chú ý như Walter Pater và Oscar Wilde.

Phòng Peacock được thiết kế theo phong cách Anh-Nhật bởi James Abbott McNeill Whistler và Edward Godwin, một trong những ví dụ nổi tiếng và toàn diện nhất về thiết kế nội thất Thẩm mỹ

Chủ nghĩa Thẩm mỹ thách thức các giá trị của văn hóa Victoria chính thống, vì nhiều người Victoria tin rằng văn học và nghệ thuật đóng vai trò đạo đức quan trọng. Viết trên tờ The Guardian, Fiona McCarthy tuyên bố rằng "phong trào thẩm mỹ đã đối lập và đôi khi gây sốc với chủ nghĩa duy vật thô thiển của Anh vào thế kỷ 19."

Chủ nghĩa Thẩm mỹ được đặt tên bởi nhà phê bình Walter Hamilton trong cuốn The Aesthetic Movement in England (Phong trào Thẩm mỹ ở Anh) vào năm 1882. Đến những năm 1890, chủ nghĩa suy đồi, một thuật ngữ có nguồn gốc chung với chủ nghĩa thẩm mỹ, đã được sử dụng trên khắp châu Âu.

Nguồn gốc

Chủ nghĩa Thẩm mỹ có nguồn gốc từ chủ nghĩa Lãng mạn Đức. Mặc dù thuật ngữ "thẩm mỹ" bắt nguồn từ tiếng Hy Lạp, nhưng cuốn Aesthetica (1750) của Alexander Gottlieb Baumgarten đã sử dụng nó một cách quan trọng trong tiếng Đức trước khi Immanuel Kant đưa nó vào triết học của mình trong cuốn Critique of Judgment (Phê bình Lý trí phán đoán) (1790). Kant, đến lượt mình, đã ảnh hưởng đến Aesthetic Letters (Những lá thư Thẩm mỹ) (1794) của Friedrich Schiller và khái niệm của ông về nghệ thuật như Spiel (Chơi): "Con người không bao giờ nghiêm túc như khi chơi; con người chỉ hoàn toàn là con người khi chơi". Trong Letters, Schiller đã tuyên bố sự cứu rỗi thông qua nghệ thuật:

Con người đã đánh mất phẩm giá của mình, nhưng Nghệ thuật đã cứu vớt và bảo tồn nó cho anh ta trong những viên bi biểu cảm. Sự thật vẫn còn sống trong tiểu thuyết, và từ bản sao, bản gốc sẽ được phục hồi.

Những ý tưởng này đã được du nhập vào thế giới nói tiếng Anh phần lớn thông qua nỗ lực của Thomas Carlyle, với Life of Friedrich Schiller (1825) (Cuộc đời của Friedrich Schiller), Critical and Miscellaneous Essays (Các bài tiểu luận Phê bình và Khác) và Sartor Resartus (1833–34) đã giới thiệu và ủng hộ chủ nghĩa thẩm mỹ, đồng thời phổ biến từ "thẩm mỹ" trong tiếng Anh. Ruth apRoberts đã tuyên bố ông là "tông đồ của thẩm mỹ ở Anh, 1825–27", để ghi nhận ảnh hưởng tiên phong của ông đối với sự phát triển sau này của phong trào thẩm mỹ.

Văn học Thẩm mỹ

Các nhà văn suy đồi người Anh chịu ảnh hưởng nhiều từ giáo sư Oxford Walter Pater và các bài tiểu luận của ông được xuất bản trong giai đoạn 1867–68, trong đó ông tuyên bố rằng người ta phải sống hết mình và tìm kiếm cái đẹp. Tác phẩm Studies in the History of the Renaissance (1873) (Các nghiên cứu về Lịch sử Phục hưng) của ông rất phổ biến trong giới thanh niên có khuynh hướng nghệ thuật vào cuối thế kỷ 19. Các nhà văn của phong trào Suy đồi đã sử dụng khẩu hiệu "Nghệ thuật vị nghệ thuật" (L'art pour l'art), nguồn gốc của nó vẫn còn gây tranh cãi. Một số người cho rằng nó được tạo ra bởi triết gia Victor Cousin, mặc dù Angela Leighton lưu ý rằng nó đã được Benjamin Constant sử dụng vào đầu năm 1804 trong tác phẩm On Form: Poetry, Aestheticism and the Legacy of a Word (2007) (Về Hình thức: Thơ ca, Chủ nghĩa Thẩm mỹ và Di sản của một Từ). Khẩu hiệu này thường được chấp nhận là do Théophile Gautier ở Pháp phổ biến, người đã sử dụng cụm từ này để gợi ý rằng nghệ thuật và đạo đức là riêng biệt.

Một trong nhiều tranh biếm họa Punch  về thẩm mỹ

Các nghệ sĩ và nhà văn theo phong cách Thẩm mỹ có xu hướng tuyên bố rằng Nghệ thuật nên mang lại niềm vui tinh tế, thay vì truyền tải thông điệp đạo đức hoặc tình cảm. Do đó, họ không chấp nhận quan niệm của John Ruskin, Matthew Arnold và George MacDonald về nghệ thuật như một thứ gì đó có đạo đức hoặc hữu ích, "Nghệ thuật vì sự thật". Thay vào đó, họ tin rằng Nghệ thuật không có bất kỳ mục đích giáo huấn nào; nó chỉ cần đẹp. Những người theo chủ nghĩa Thẩm mỹ đã phát triển một sự sùng bái cái đẹp, thứ mà họ coi là yếu tố cơ bản của nghệ thuật. Họ khẳng định rằng Cuộc sống nên sao chép Nghệ thuật. Họ coi thiên nhiên là thô thiển và thiếu thiết kế khi so sánh với nghệ thuật. Các đặc điểm chính của phong cách này là: gợi ý hơn là tuyên bố, gợi cảm, sử dụng nhiều biểu tượng và hiệu ứng cảm giác/ý tưởng—nghĩa là sự tương ứng giữa từ ngữ, màu sắc và âm nhạc. Âm nhạc được sử dụng để thiết lập tâm trạng.

Những người đi trước của những người theo chủ nghĩa Thẩm mỹ bao gồm John Keats và Percy Bysshe Shelley, và một số người theo trường phái Tiền Raphael, những người tự coi mình là di sản của tinh thần Lãng mạn. Có một vài điểm tương đồng đáng kể giữa triết lý Tiền Raphael và triết lý của những người theo chủ nghĩa Thẩm mỹ: Cống hiến cho ý tưởng 'Nghệ thuật vị nghệ thuật'; ngưỡng mộ và không ngừng phấn đấu vì cái đẹp; chủ nghĩa thoát ly thông qua nghệ thuật thị giác và văn học; sự khéo léo vừa cẩn thận vừa tự giác; cùng quan tâm đến việc kết hợp các loại hình nghệ thuật của các phương tiện khác nhau. Ý tưởng cuối cùng này được thể hiện trong bài thơ L'Art của Théophile Gautier, người đã so sánh nhà thơ với nhà điêu khắc và họa sĩ. Dante Gabriel Rossetti và Edward Burne-Jones có liên hệ mật thiết nhất với Chủ nghĩa Thẩm mỹ. Tuy nhiên, cách tiếp cận Chủ nghĩa Thẩm mỹ của họ không có chung tín điều 'Nghệ thuật vị nghệ thuật' mà là "một sự tái khẳng định mạnh mẽ những nguyên tắc về màu sắc, vẻ đẹp, tình yêu và sự trong sạch mà thế giới buồn tẻ, hỗn loạn, chán nản của giữa thế kỷ XIX rất cần". Sự tái khẳng định vẻ đẹp này trong một thế giới buồn tẻ cũng kết nối với chủ nghĩa thoát ly Tiền Raphael trong nghệ thuật và thơ ca.

Ở Anh, những đại diện tiêu biểu nhất là Oscar Wilde, Algernon Charles Swinburne (cả hai đều chịu ảnh hưởng của những người theo chủ nghĩa Tượng trưng Pháp), James McNeill Whistler và Dante Gabriel Rossetti. Những nhà văn này và phong cách của họ đã bị châm biếm bởi vở opera hài hước Patience của Gilbert và Sullivan và các tác phẩm khác, chẳng hạn như vở kịch The Colonel của F. C. Burnand, và trên các tạp chí truyện tranh như Punch, đặc biệt là trong các tác phẩm của George Du Maurier.

Tiểu thuyết Sinister Street của Compton Mackenzie đã sử dụng kiểu nhân vật này như một giai đoạn mà nhân vật chính trải qua khi anh ta bị ảnh hưởng bởi những cá nhân lớn tuổi hơn, suy đồi hơn. Các tiểu thuyết của Evelyn Waugh, người từng là một người tham gia trẻ tuổi của xã hội thẩm mỹ ở Oxford, mô tả những người theo chủ nghĩa thẩm mỹ chủ yếu một cách châm biếm, nhưng cũng như một cựu thành viên. Một số cái tên gắn liền với hội này là Robert Byron, Evelyn Waugh, Harold Acton, Nancy Mitford, A.E. Housman và Anthony Powell.

Mỹ thuật Thẩm mỹ

Các nghệ sĩ gắn liền với phong cách Thẩm mỹ bao gồm Simeon Solomon, James McNeill Whistler, Dante Gabriel Rossetti, Albert Joseph Moore, GF Watts và Aubrey Beardsley. Mặc dù các tác phẩm của Edward Burne-Jones đã được trưng bày tại Phòng trưng bày Grosvenor, nơi quảng bá phong trào, nhưng chúng mang tính tường thuật và truyền tải thông điệp đạo đức hoặc tình cảm, do đó nằm ngoài chương trình mục đích của phong trào.

Lady Lilith by Dante Gabriel Rossetti

Các nghệ sĩ như Rossetti tập trung nhiều hơn vào việc chỉ đơn giản là vẽ những người phụ nữ xinh đẹp hơn là hướng đến một thông điệp đạo đức, điều này thể hiện rõ trong các bức tranh nổi tiếng "Lady Lilith" và "Mona Vanna". John Ruskin, một người bạn cũ của Rossetti, nói rằng Rossetti đã "lạc lối trong Địa ngục London". Rossetti đã vẽ thêm nhiều bức tranh theo chủ nghĩa thẩm mỹ trong cuộc đời mình, bao gồm "Venus Verticordia" và "Proserpine". Albert Joseph Moore, GF Watts và Aubrey Beardsley. Mặc dù các tác phẩm của Edward Burne-Jones đã được trưng bày tại Phòng trưng bày Grosvenor, nơi quảng bá phong trào, nhưng chúng mang tính tường thuật và truyền tải thông điệp đạo đức hoặc tình cảm, do đó nằm ngoài chương trình mục đích của phong trào.

Nghệ thuật trang trí Thẩm mỹ

Theo Christopher Dresser, yếu tố chính của nghệ thuật trang trí là tính hữu dụng. Châm ngôn "nghệ thuật vị nghệ thuật", xác định nghệ thuật hoặc vẻ đẹp là yếu tố chính trong các nhánh khác của Phong trào Thẩm mỹ, đặc biệt là mỹ thuật, không thể áp dụng trong bối cảnh này. Nghĩa là, nghệ thuật trang trí trước hết phải có tính hữu dụng, nhưng cũng có thể đẹp. Tuy nhiên, theo Michael Shindler, nhánh nghệ thuật trang trí của Phong trào Thẩm mỹ, không phải là người anh em họ theo chủ nghĩa thực dụng của nhánh 'thuần túy' chính của Chủ nghĩa Thẩm mỹ, mà là phương tiện để những người theo chủ nghĩa thẩm mỹ thực hiện chiến lược thiết kế cơ bản của họ. Giống như nghệ thuật đương đại, Shindler viết rằng chủ nghĩa thẩm mỹ được sinh ra từ "bài toán nan giải về việc cấu thành cuộc sống của một người liên quan đến một tác phẩm bên ngoài" và nó "đã cố gắng vượt qua" vấn đề này "bằng cách gộp các nghệ sĩ vào trong tác phẩm của họ với hy vọng mang lại —hơn cả những đồ vật đơn thuần—cuộc sống có thể là những tác phẩm nghệ thuật sống." Do đó, "những thứ đẹp đẽ trở thành những bộ phận thiết lập gợi cảm của một bộ phim mà trong đó các nghệ sĩ không giống như tổ tiên của họ là một loại phi hành đoàn ẩn danh, mà là những ngôi sao. Do đó, những người theo chủ nghĩa thẩm mỹ đã tạo ra những bức chân dung thần tượng, những bài thơ cầu nguyện, bàn thờ bàn làm việc, nhà nguyện phòng ăn và những thiên thần sa ngã của đồng loại."

Chim hoàng yến của Albert Joseph Moore, ca. 1875–1880. Moore nằm trong nhóm nghệ sĩ có tác phẩm được trưng bày tại Phòng trưng bày Grosvenor ở London.

Các Trường Thiết kế của Chính phủ được thành lập từ năm 1837 trở đi nhằm cải thiện thiết kế hàng hóa của Anh. Sau cuộc Triển lãm lớn năm 1851, những nỗ lực đã được tăng cường và các đồ vật phương Đông đã được mua cho các bộ sưu tập giảng dạy của trường. Owen Jones, kiến trúc sư và nhà phương Đông học, đã được yêu cầu đưa ra các nguyên tắc thiết kế chính và những nguyên tắc này không chỉ trở thành cơ sở giảng dạy của trường mà còn là những mệnh đề mở đầu cho cuốn The Grammar of Ornament (Ngữ pháp của Trang trí) (1856), vẫn được coi là nghiên cứu có hệ thống hay nhất hoặc sách nguồn thực tế về đồ trang trí lịch sử thế giới.

Jones xác định nhu cầu về một phong cách mới và hiện đại, đáp ứng các yêu cầu của thế giới hiện đại, thay vì liên tục tái chế các phong cách lịch sử, nhưng không thấy lý do gì để từ chối những bài học trong quá khứ. Christopher Dresser, một sinh viên và sau này là Giáo sư tại trường, đã làm việc với Owen Jones trong cuốn The Grammar of Ornament, cũng như về trang trí năm 1863 của các tòa án phương Đông (Trung Quốc, Nhật Bản và Ấn Độ) tại Bảo tàng Nam Kensington (nay là Victoria and Albert Museum), đã thúc đẩy việc tìm kiếm một phong cách mới với hai ấn phẩm của ông là The Art of Decorative Design 1862 (Nghệ thuật Thiết kế Trang trí) và Principles of Design 1873 (Nguyên tắc Thiết kế).

Việc sản xuất đồ nội thất theo phong cách Thẩm mỹ được giới hạn trong khoảng cuối thế kỷ 19. Đồ nội thất theo phong cách Thẩm mỹ được đặc trưng bởi một số chủ đề phổ biến:

• Gỗ mun với điểm nhấn mạ vàng.
• Ảnh hưởng của Viễn Đông.
• Sử dụng nổi bật thiên nhiên, đặc biệt là hoa, chim, lá bạch quả và lông công.
• Màu xanh và trắng trên đồ sứ và đồ sứ cao cấp khác.

Đồ nội thất mun có nghĩa là gỗ được sơn hoặc nhuộm màu đen mun. Đồ nội thất đôi khi được sơn hoàn toàn màu mun. Tuy nhiên, thường xuyên hơn, có sự mạ vàng được thêm vào các bề mặt chạm khắc của lông vũ hoặc hoa cách điệu tô điểm cho đồ nội thất.

Bàn đồng thau thẩm mỹ của Công ty Bradley & Hubbard

Vì phong cách trang trí của phong trào thẩm mỹ tương tự như phong cách viết tương ứng ở chỗ nó nói về tính gợi cảm và thiên nhiên, nên các chủ đề tự nhiên thường xuất hiện trên đồ nội thất. Một đặc điểm thẩm mỹ điển hình là hoa chạm khắc mạ vàng hoặc lông công cách điệu. Thường thấy các bức tranh màu về chim hoặc hoa. Đồ nội thất theo phong trào thẩm mỹ không mun có thể có các hình ảnh ba chiều trông giống như thật của chim hoặc hoa được chạm khắc trên gỗ.

Đối lập với đồ nội thất mạ vàng mun là sử dụng màu xanh và trắng cho đồ sứ và đồ sứ. Các chủ đề tương tự về lông công và thiên nhiên sẽ được sử dụng với tông màu xanh lam và trắng trên bộ đồ ăn và các loại đồ sành sứ khác. Thiết kế màu xanh và trắng cũng phổ biến trên gạch men vuông. Người ta nói rằng Oscar Wilde đã sử dụng đồ trang trí thẩm mỹ thời trẻ. Khía cạnh này của phong trào cũng bị tạp chí Punch và trong Patience châm biếm.

Oscar Wilde thuyết trình về "Phục hưng nước Anh trong nghệ thuật" trong chuyến lưu diễn Bắc Mỹ năm 1882

Năm 1882, Oscar Wilde đến thăm Canada, nơi ông đã đi thăm thị trấn Woodstock, Ontario và có một bài giảng vào ngày 29 tháng 5 với tựa đề "Ngôi nhà Đẹp". Trong bài giảng này, Wilde đã trình bày các nguyên tắc của Phong trào Thẩm mỹ trong thiết kế trang trí và ứng dụng, còn được gọi là phong cách "Thẩm mỹ Trang trí", theo đó hệ động thực vật địa phương được tôn vinh là đẹp và có kết cấu, trần nhà nhiều lớp được ưa chuộng. Một ví dụ về điều này có thể được nhìn thấy tại Di tích Lịch sử Quốc gia Annandale, nằm ở Tillsonburg, Ontario, Canada. Ngôi nhà được xây dựng vào năm 1880 và được trang trí bởi Mary Ann Tillson, người tình cờ tham dự bài giảng của Oscar Wilde ở Woodstock. Vì Phong trào Thẩm mỹ chỉ thịnh hành trong nghệ thuật trang trí từ khoảng năm 1880 đến khoảng năm 1890, nên không có nhiều ví dụ còn sót lại về phong cách đặc biệt này, nhưng một ví dụ như vậy là 18 Stafford Terrace, London, nơi cung cấp cái nhìn sâu sắc về cách các tầng lớp trung lưu diễn giải các nguyên tắc của nó. Olana, nhà của Frederic Edwin Church ở phía bắc bang New York, là một ví dụ quan trọng về chủ nghĩa ngoại lai trong nghệ thuật trang trí Phong trào Thẩm mỹ.

Ảnh hưởng đến quảng cáo

Phong trào thẩm mỹ ở Anh đã tham gia trực tiếp vào quảng cáo, và xà phòng Pears (dưới sự tiên phong quảng cáo của Thomas J. Barratt) đã tuyển dụng nữ diễn viên và nữ diễn viên xã hội người Anh Lillie Langtry — người đã được các nghệ sĩ thẩm mỹ vẽ và cũng là bạn của Oscar Wilde — để quảng bá sản phẩm của họ vào năm 1882, khiến cô trở thành người nổi tiếng đầu tiên xác nhận một sản phẩm thương mại.